LOS MEJORES DISCOS DE 2013

Si tan sólo pudiéramos recordar a 2013 como el año que consagró a Miley Cyrus por sus meneítos pélvicos en la gala de la MTV norteamericana, no podríamos quedarnos demasiado satisfechos. Más bien, estaríamos jodidos.

Sin embargo, más allá del tan promocionado (y premeditado) destape sexual de la ya crecida niña Disney... el presente año también ha dejado bonitos momentos musicales. En nuestra opinión, la mayoría de ellos se han producido bastante alejados de los canales masivos, a no ser por meritorios casos puntuales, como el esperado regreso de los Arcade Fire y Daft Punk, los veteranos Depeche Mode, o los ya abuelos David Bowie y Paul McCartney. Pero, la edad no nos interesa demasiado, en esta lista intentaremos juzgar la calidad artística. Aquí, los mejores 30 discos del 2013.

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#30 --- THE LIMIÑANAS "Costa blanca"

Los primeros acordes del bajo, las cítaras y el recitado lúgubre de una voz masculina marcan el rumbo de un disco que homenajea constantemente al gran Serge Gainsbourg. Desde Perpignan, este dúo de extraño nombre, ensambla con mucho arte el instinto pop del genio francés, al que agrega buenas dósis del ácido artrock de New York o la psicodelia británica de finales de los ´60. Si se pasan por alto algunos cliches, se diría que el sonido retro de The Limiñanas es atractivo. El secreto pasa por tomar prestadas algunas ideas muy buenas y armar con ellas una docena de bellas canciones pop, poco pretenciosas, pero indudablemente funcionales. Franceses hasta la médula, nostálgicos y muy simpáticos.

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#29 --- PAUL McCARTNEY "New" 

Muy bien rodeado en la producción del estudio, las nuevas canciones del viejo Paul suenan convincentes y adecuadas a los tiempos que corren. Si el toque melódico del exBeatle pudo considerarse perdido, en New hay pruebas suficientes del error. Se luce en la bella y marchosa Queenie eye o el delicado folk de Hossana, ambas dignísimas herederas de su brillante cancionero particular. El disco es muy interesante, con inevitables rasgos de la música del cuarteto de Liverpool, pero siempre justificando su propia existencia. No es preciso ser un fan incondicional de los Beatles para disfrutar de esta obra, simplemente tener un mínimo de sensibilidad para las canciones pop.

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#28 --- DISCLOSURE "Settle" 

Incluídos en la tendencia británica que suele batir en una gran coctelera aquellos ritmos dance que han triunfado en los últimos años para servirnos un trago de arista más pop, los Disclosure se apuntan en la avanzadilla de esta movida. Buenos ejemplos como “When a fire starts to burn”, “Latch” o “Voices” confirman el arte de este dúo de Surrey para ensamblar canciones bailables de alto poder residual. La mayoría de ellas en "Settle" funcionan tan bien en la pista como en la radio. La razón podríamos encontrarla en parte por el sedimento soul que poseen o el apropiado tratamiento de las voces en general. El producto resultante es de calidad notable, una contagiosa fórmula diseñada para la noche que se adapta a un público bastante amplio.

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#27 --- PHOENIX "Bankrupt"

El tecnopop de los Phoenix ha continuado brillando en las once canciones de “Bankrupt”. Los teclados del cuarteto galo sostienen estructuras sólidas sobre las que puede divertirse el cantante Thomas Mars. Entre ABBA y Daft Punk, han encontrado una nutrida mina de diamantes, apta para un público verdaderamente amplio. Sus inevitables éxitos como "Entertainment" o "S.O.S. in Bel Air" sirven como ejemplo del aparentemente sencillo estilo de la banda.
Como siempre se dice, lo simple es bien complicado de conseguir, más aún cuando se trata de canciones pop en estado puro como las de Phoenix. Con una maestría propia de otras latitudes, los aromas orientales relucen en este disco, tan potente como su aclamado antecesor.

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#26 --- MUTUAL BENEFIT "Love´s crushing diamond" 

Siguiendo la estela de la resurrección folk protagonizada en los últimos años por Animal Collective entre otros, el debut del músico Jordan Lee impacta por su delicada consistencia. Banjos, teclados, violines, percusión, guitarras y ruidos varios se complementan con la suave voz del cantante, en piezas de sólida construcción. Las melodías acompañan sin estridencias la serpenteante dirección vocal de Lee y dejan estratégicos espacios en claro que aprovechan una rítmica susurrante, tenue, casi nipona. Un gran mérito de Mutual Benefit sobreviene del valioso equilibrio entre las partes que conforman el tejido final, un subyugante viaje, suave y entretenido al mismo tiempo. Indispensable para entender el presente musical americano.

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#25 --- DAFT PUNK "Random access memories"

El regreso en plan homenaje del dúo francés más taquillero es una delicatessen rotunda. El disco estalla en disco y funk de los 70´s, bien tocado, bien compuesto y mejor producido. Giorgio Moroder incluído, estas canciones nos retrotraen a la cultura disco pre-samplers. Sonidos inmaculados que quizás no comprendan bien sus seguidores más jóvenes pero que responden a la historia de manera rotunda. Si su anterior discografía los definía como excelsos creadores de éxitos, en "Random Access Memories" se jactan del gran conocimiento acumulado, produciendo canciones perfectas que pueden saborearse como caramelos de sabor perenne. Incluída la sensacional "Get lucky", entre las mejores canciones del año.

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#24 --- NICK CAVE & THE BAD SEEDS "Push the sky away"

Mucho más somero que en anteriores producciones, el australiano cuece a fuego lento una cesta de agrias frutas, para servir la salsa que riega estas tenues pero vibrantes canciones de profundo desamor, con la vida en líneas generales. "Mermaids" o "Jubilee Street" irradian estas fuertes sensaciones sin necesidad siquiera de que el perro se ponga a ladrar. Los arreglos de cuerdas, casi siempre violines, rompen el oscuro colchón de bajo y percusión para que el piano nos guíe hasta la próxima curva, con conducción temeraria, por los bordes mismos de una montaña inmensa, temiendo caernos a algún precipicio que el cantante parece anunciarnos en cada fraseo.

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#23 --- BILAL "A love surreal"

Hacia 2001 irrumpió con un debut magnífico, “1st Born Second” nos forzó a prestar especial atención al neosoul como un género renovado. Ahora, Bilal vuelve a tomarnos por sorpresa con su reciente y genial “A love surreal”. Atmosférico y sutil, el soulman de Philadelphia toma la antorcha de maestros como Al Green o Marvin Gaye para firmar una música especial. Resulta fascinante en esta docena de perfectas canciones, como “Back to love” o “Winning hand”, dos buenos ejemplos de ritmo y clima elegante para un pop de autor con mayúsculas. Relegado en la exposición mediática, su escasa difusión fuera de EEUU no responde a ninguna regla de calidad artística, más bien todo lo contrario.

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#22 --- XENIA RUBINOS "Magic trix"

Uno de los últimos hallazgos neoyorkinos proviene de Puerto Rico. La sorpresiva irrupción de Xenia Rubinos contagia placer y sorpresa a partes iguales. Su voz tiene un registro altísimo, es suave y elegante, aunque este proyecto se combine en un envase electro punk surrealista, consiguiendo una intensa variedad de matices mientras canta en inglés y español.
Sin adentrarse en aguas psicodélicas, sus canciones derrochan insanidad en el buen sentido del término. Evitando caer en trampas habituales en estos casos, la imaginación abundante no destroza las buenas ideas, aunque es bien cierto que el disco no resulta apto para un público adicto a la radio fórmula convencional.

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#21 --- MULATU ASTATKE "Sketches of Ethiopia"

Este etíope vibrafonista fue de los primeros en su país con la posibilidad de estudiar en Inglaterra y en la Berklee americana. La historia del septuagenario Mulatu Astatke (Jimma, 1943) tiene algún punto de contacto con aquella de los excelentes músicos cubanos rescatados por el norteamericano Ry Cooder en el Buena Vista Social Club. 
Astatke desarrolló una notable producción en lo artístico, fusionando el jazz americano con el folk etíope y sabores latinos. 
Ahora nos sorprende gratamente con un regreso impecable. “Sketches of Ethiopia” es un vibrante homenaje a la música de su país, pero también un laberinto pleno de atmósferas irreverentes, fuerza creativa en estado puro, un paisaje inexplorado.

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#20 --- YASMINE HAMDAN "Ya nass"

Oriunda de Beirut, establecida en Paris y con dos proyectos electrónicos encima, la sensual voz de Yasmine Hamdan recupera el estilo de las divas árabes de los 50´s. Producido por Marc Collin (Nouvelle Vague), su disco debut se inscribe en un electro folk melancólico, cautivador y bien balanceado en el cruce de culturas Oriente-Occidente. Desde un inicio con "Deny", su disco muestra el camino que recorrerá sin complejos a la vista. En canciones más elaboradas como "Enta Fen, again" su frágil voz emerge entre texturas sofisticadas, quebrando cierta frialdad que pudiera alejarla de lo emotivo. El trabajo en equipo con el productor la pone a la altura de productos más conocidos como Garbage.

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#19 --- STANDSTILL "Dentro de la luz"

El tiempo ha otorgado un grado de madurez inmenso a la música del grupo, que a estas alturas es capaz de moverse con soltura por zonas vírgenes para el pop local. En Standstill triunfa lo íntimo de una manera virulenta, algo que podría resultar excesivo para muchos. El nuevo disco aporta doce nuevas canciones de uso individual bajo el estimulante influjo de lo luminoso. Una necesidad vital, como aquellas mariposas que aletean en torno a un farol encendido en las noches. Porque como acierta a pedir Montefusco en el track inicial “Que no acabe el día”, de una manera u otra, la luz siempre termina extinguiéndose. Este cariño exuberante de quien concibe tan bendito esfuerzo por exprimirse ante los demás y obtener incalculable belleza en el camino, sólo merece aplausos y más aplausos. 

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#18 --- THUNDERCAT "Apocalypse"

Reclamado por medio mundo en la escena virtuosa de la música negra, el genial bajista Thundercat también consigue brillo intenso en su proyecto personal. “Apocalypse” es un disco soul con un delicado acercamiento al género, desde los arreglos de voces hasta las singulares texturas de sintetizadores, guitarras, bajo y batería. La obra compacta un sonido integrador, novedoso y con cierta herencia de Earth Wind & Fire y Jimmy Hendrix al unísono. Una maravilla que establece una música que sabe unir los remolinos del jazz con estructuras más fluidas y cercanas al pop de las últimas décadas. Siempre en estricta frecuencia afroamericana, el disco justifica sobradamente su existencia.

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#17 --- GREY REVEREND "A hero´s lie"

El segundo disco solista del guitarrista L.D. Brown capta de forma magnífica el espíritu del blues americano en su faceta más tradicional. Su toque cristalino arropa los graves susurros de su garganta bluesman. Como si Terry Calier se pusiera acústico o Joni Mitchel se acercara más al blues, Brown cautiva porque consigue canciones verdaderamente buenas. Once episodios que funcionan en bloque y en singular, tal el caso de la bellísima “The Payoff” o la vibrante "Only one". Desde la portada, el autor anticipa un rumbo que evidencia cierta búsqueda del pulso ancestral del hombre y su guitarra, en su versión afroamericana rural. El tiempo reposado del disco ayuda a su disfrute en condiciones de relax.

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#16 --- BLOOD ORANGE "Cupid deluxe"

Deudor en cierta medida del refinado estilo que aportaran Prince, Sade o Pet Shop Boys en los ´80, el último proyecto de Devonte Hynes se acerca mucho a un viaje temporal con final feliz. La deliciosa “Uncle Ace” lleva la delantera en una colección que consigue entretejer el soul con la new wave basándose siempre en ritmos sencillos, bajos generosos y una voz perfecta. Solo desluce cuando el melodrama invade las canciones con su pátina pegajosa, y se deja llevar por estados de ánimo poco creíbles. Si bien el disco suda a ese New York de ambiente entre pijo y gamberro, los esfuerzos de Blood Orange no caen jamás en saco roto.

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#15 --- EELS "Wonderful, glorious"

El bueno de Mark Everett continúa su camino sin contaminarse por las circunstancias ocasionales.Su línea artística profundamente autobiográfica tiene sus altibajos, quién no? Y en este décimo disco se lo nota optimista, enamorado y lleno de vitalidad, lo cual es estupendo. Entre “On the ropes” y “The turnaround” suscribe el pasaje más cálido de su carrera. Sin caer en lo edulcorado, su estilo mantiene lo ríspido y bizarro, tal cual las guitarras estruendosas que inundan la graciosa “Peach blossom” o el blues de “Open my present”. Feliz de principio a fin, este extenso disco doble no rechina, no cansa y menos que menos aburre. 

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#14 --- PHAREZ WHITTED "For the people"

El veterano trompetista de jazz Pharez Whitted nos conmueve sin contemplaciones en esta magnífica hora y pico de hard bop sin fisuras. Su disco hilvana once temas de su autoría, un material fresco y encantador que cobra especial valor en su precisa interpretación y la sincronía absoluta con el guitarrista Bobby Broom. Hay mucho groove en el ambiente, delicadeza y aroma a los momentos más excepcionales que viviera este género en los años ´60. Una obra tan lúcida como recomendable que nos llegó a comienzos mismos de este año y que lleva tufillo a clásico en sus entrañas.

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#13 --- ARTISTAS VARIOS "Red Hot + Fela"

La ong americana Red Hot ha sido responsable desde 1989 de la edición de al menos 16 discos (de excelente factura casi todos ellos) que han ayudado en la lucha contra el SIDA con sus regalías. El más reciente reúne a unos 40 artistas consagrados y no tanto, que versionan las canciones del célebre nigeriano Fela Kuti. La obra del padre del afrobeat es homenajeada con devoción y acierto. Sobresalen Kyp Malone (TV on the Radio) en "Sorrow tears", Questlove (The Roots) y la magnífica voz de Angelique Kidjo en "Lady" integrando un disco apasionante para quienes conozcan por anticipado el repertorio de Fela o no.

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#12 --- EL PETIT DE CAL ERIL "La figura del buit"

"La figura del buit" inicia su vuelo psicodélico con una cinta al revés acompañando las ideas que desliza en la canción de apertura: “la figura del buit cau com tu / tant li fot del dret com del revés”. El disco contiene 17 hermosas canciones, aunque Joan Pons cambiara el sistema de trabajo de manera radical. Grabó en la tranquilidad del estudio propio y cedió el peso de la grabación en el productor Mau Boada. De una musicalidad delicada, el estilo intuitivo de Pons redunda en una buena cosecha repleta de imágenes sugerentes o personajes misteriosos. Las letras siempre suman belleza a un paisaje final tan onírico como apacible.

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#11 --- JANELLE MONAE "The electric lady"

Tres años después de su fantástico ArchAndroid, la diminuta Janelle Monáe se afirma como una refinada gourmet del sonido afroamericano. Continúa libre en sus formas, sin reglas definidas más que su buen gusto para aderezar producción original con los mejores logros del pasado. No obstante lo que realmente impresiona es su obsesión con lo perfecto. Así, atronan bases propias del mejor funk de los 70´s, como en la estupenda Q.U.E.E.N. (con Erikah Badu) alejándose del maniqueísmo reinante en el R&B actual. Las sociedades que consigue con Prince o Esperanza Spalding también lucen en este desfile de sensaciones de alto voltaje.

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#10 --- DEPECHE MODE "Delta machine"

Con “Heaven”, Depeche Mode agrega un nuevo clásico a su colección pop. Sencilla, cadenciosa e inolvidable, la balada marca este regreso en plena forma. Menos experimental que nunca, aunque maduro y seguro, el trío exprime el tecnoblues hasta secarlo. Atemporales y oscuros, verborrágicos pero elegantes, corroboran su vigencia en piezas sensuales como “Broken” o la melancólica “Happens all the time”. Cada día más lejanos de las discotecas de moda y cercanos a una musicalidad exquisita que los mantenga en el tiempo. Sin guiños oportunistas al mercado, su música se tiñe de ocres y sepias, con la sabiduría del que aprendido su lugar.

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# 9 --- EMILIANA TORRINI "Tookah"

La islandesa Emiliana Torrini encuentra oro en su cuarto disco, esta vez para un sello grande. Su voz tiene un destello irresistible y encaja en etéreas canciones pop que se alejan de lo usual. Sintetizadores vintage y mucho intrumento orgánico visten el traje a medida para esta ninfa insular. En la sinousa “Caterpillar” o las melodías evanescentes de “Elisabet” ofrece razones suficientes para adorar su música. Con recursos simples alcanza una profundidad embriagante, desde la quietud consigue seducir sin despilfarro alguno. Algo de esa magia que su célebre compatriota Björk esparciera por el mundo, se percibe en Torrini, aunque los objetivos de una y otra difieran por completo.

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# 8 --- ROBERT GLASPER EXPERIMENT "Black radio 2"

Sin descubrimientos excesivos, jugando sobre tierra firme, Robert Glasper y su Experiment consigue un compendio de excelente música pop afroamericana donde se entremezclan el jazz, el soul y el hip hop con la máxima fluidez imaginable. Posible deudor de proyectos firmados por The Roots o Outkast hace una década, "Black Radio 2" es un disco que se disfruta sin fisuras. La lista de colaboraciones incluye a Jill Scott, Common, Dwelle, Anthony Hamilton, Bilal, Snoop Dogg y Macy Gray. Todos saben aportar su experiencia y rodaje en los estudios, y Glasper lleva la nave a puerto seguro, dejándose llevar oportunamente por las marejadas que se cruza en esta imperdible travesía.

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# 7 --- MARQUIS HILL "The poet"

Joven talento del jazz de Chicago, el trompetista Marquis Hill condensa su inquietante sonido en "The Poet", el tercero registro en su lista personal. Gran compositor y autor de casi toda la música que ejecuta, Hill se nutre de un combo excepcional bautizado The Blacktet. Josh Moshier en piano y Chris McBryde en saxo alto destacan al nivel del líder. La profundidad del jazznoir acepta pinceladas R&B y hasta cierto espíritu del hip hop, sin excesos de vanguardismo. En la balada “Giovanna”, este estilo consigue la excelencia. Un disco memorable.

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# 6 --- AGNES OBEL "Aventine"

Nacida en Copenaghe, Agnes Obel creció en un entorno familiar musical. Su formación clásica es percibida en cada una de las hermosas canciones pop que dan forma a su segundo álbum. Sobre la estructura de piano y voz, se suman cellos y cuerdas bien engarzadas, coloreando paisajes tenues y reforzando la belleza subyacente en las melodías primigenias. En esta fascinante paleta se intuye a Claude Debussy y Ravel conviviendo con PJ Harvey y Roy Orbison en el universo embriagador y espacioso de Obel. Expansiva, su música invita a una percepción detallada, no admite distracciones, es ideal para apoltronarse y dejarse llevar bien lejos de uno mismo.

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# 5 --- ARCADE FIRE "Reflektor"

Arribó la temible hora de jugarlo todo otra vez. El tiempo de la noche... The Arcade Fire marca el rumbo como lo hicieran U2, The Smiths, Radiohead, REM o Nirvana en sus buenos días. Contra todo pronóstico, contrataron al productor James Murphy de LCD Soundsystem y se armó la pachanga con bolas de espejos incluídas en en New York. Arcade Fire introdujo bases más festivas, teclados percusivos, sin perder un ápice de maldad, acidez y esa confortable apuesta por el riesgo que tienen sus mejores canciones. Tal el caso de la irresistible You Already Know o la centelleante Normal Person. Fantasmas del Bowie de Low (1977), The Smiths y hasta Blondie se cuelan en la mezcla final del caldo cocido en Reflektor, el nuevo inspirado collage.

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# 4 --- INSPIRA "Amunt!"

La extrovertida ilustración de un portentoso faro ilumina omnipresente las canciones de Inspira desde la misma portada de “Amunt!”. Una síntesis gráfica y elocuente del tono conseguido por la mejor edición local del año. ¿Folk? ¿Rock? ¿Pop? En su nueva producción Inspira se expresa con soltura en un lenguaje propio, personal y con ciertos guiños a las mejores vertientes de la música independiente. Un sitio donde caben guitarras guiando las melodías, ingeniosos arreglos vocales, bases rítmicas tan compenetradas como protagonistas y la delicadísima lírica de Jordi Lanuza. En la bellísima “Més fort que mai” condensa en un pequeño estribillo memorable, ese optimismo contagioso que irradia el disco:
...“I no haurà estat fàcil / però cantem més fort que mai / I és que avui caldrà cantar més fort que mai”... 



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# 3 --- DAVID BOWIE "The next day"

Con la broma de la portada, David Bowie anticipa su viaje retro al corazón de su propia travesía artística. Coloso del pop del siglo XX, el Duque consigue su mejor disco desde “Let’s Dance” (1983). A los 66 rejuvenece con gemas como “The Stars (Are Out Tonight)”  provista de una melodía imborrable o la nostalgia berlinesa de “Where are we now?”. En otras como “Boss of me” recupera la elegancia de los años con Brian Eno. La electricidad irresistible de “If you can see me” es una muestra más del inspirado momento del superdivo. El disco gana peso con el tiempo y sobrevive plenamente al peligroso ejercicio de autorreferencia. ¿Si los Arcade Fire y una docena de grupos más viven rindiendo culto a su pasado glorioso, quien mejor que él mismo para reeditarlo con esta magia?

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# 2 --- MAVIS STAPLES "One true vine"

A estas alturas, Mavis Staples es una verdadera institución soul en vida, una de las pocas que quedan. En “One true vine” luce arropada por la exquisita producción de Jeff Tweddy, el líder de Wilco, al tiempo que confirma sobradamente porque ha optado por seguir grabando a sus 73 años. Su voz es una generosa lección de cómo encarar el blues, el soul o el gospel, un milagro musical que sólo merece ser compartido. El disco viene cargado de emociones fuertes desde la brillante pista inicial "Holy ghost", en clave gospel casi a capella, sobre una delicada guitarra. Enseguida se enchufa la banda en la soberbia "Every step", dando rienda suelta al blues imparable de esta gran mujer. En "Can you get to that" el disco se pone festivo definitivamente. Un tono que no nos abandonará nunca más, aún en los momentos más íntimos como "Jesus swept" o "One true vine". Sentimiento puro que reluce en la aguerrida "I like the things about me", gran ejemplo del poder de este disco.

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# 1 --- QUEENS OF THE STONE AGE 
           "Like clockwork"

Los condimentos que hacen grandioso a un disco de rock se reúnen en el nuevo de Queens of The Stone Age. Cierta fiereza, mucho estilo y buena muñeca para evitar esos riffs de guitarra eternamente reproducidos. Josh Homme se luce como gran conductor, elegante y desafiante al mismo tiempo. Aires del buen hardrock de los ´70 (Deep Purple o Led Zeppelin), el Bowie más cañero y el grunge de los ´90 (Nirvana o Soundgarden) confluyen en el sonido contundente que confirma la inmejorable salud de esta ya veterana banda. El disco es impecable, no sobra nada en una lista que está confeccionada para impactar en el directo y conmover en la escucha más íntima. Inspiración, rabia y tremenda dedicación por construir canciones dignas, son argumentos suficientes para agradecer la edición del mejor disco de rock del año y el más importante en todos los sentidos para nosotros.